El compositor de Fingerstyle Peppino D’Agostino conecta los mundos de las guitarras con cuerdas de acero y nailon

Desde los años 80, Peppino D’Agostino ha creado una visión amplia de la guitarra acústica como instrumento de concierto, aprovechando no sólo el lenguaje original de las cuerdas de acero del folk, el blues y el country, sino también la tradición de las cuerdas de nailon de Italia y España. y Brasil. Como muchos exploradores de la guitarra estilo dedos, D’Agostino utilizó afinación, percusión y otras técnicas poco ortodoxas para abrir nuevas perspectivas sobre el instrumento. Pero sus composiciones para guitarra se sienten impulsadas, ante todo, por la melodía, no por las acrobacias del diapasón.

Originario de Italia, D’Agostino se inició en Estados Unidos como músico callejero y guitarrista de restaurante en San Francisco. Todavía vive en el Área de la Bahía y realiza giras internacionales con su guitarra Seagull. La discografía de D’Agostino da fe de sus diversos intereses, incluidas colaboraciones con el guitarrista clásico David Tanenbaum, el compositor y productor pop italiano Corrado Rustici y el guitarrista de rock eléctrico Stef Burns. El último disco de D’Agostino, Extensiónmostrando rango y maestría como intérprete/compositor.

Además de su carrera interpretativa, D’Agostino es un profesor prolífico, y en los últimos años ha creado lecciones para TrueFire y Guitar by Master, así como partituras interactivas a través de Interlude. Con su esposa, Donna, dirige Music World Retreats, que ofrece campamentos de música en Estados Unidos y Europa para guitarristas, así como para intérpretes de mandolina, ukelele y violín. Los próximos eventos de guitarra incluyen un retiro de Martin Taylor en California y una inmersión en bluegrass en Sicilia con Bryan Sutton y Chris Eldridge.

Me reuní con D’Agostino por teléfono para conocer más sobre sus últimos viajes con la guitarra.

Cuando estabas aprendiendo a tocar en Italia, ¿hubo algún artista en particular que te atrajo hacia la música instrumental de guitarra con cuerdas de acero?

Sabes, cuando comencé, solía tocar la guitarra eléctrica; soy un gran admirador de (John) McLaughlin y algunos de los primeros Santana, ese tipo de cosas. Pero entonces alguien trajo discos de Estados Unidos en 1974: fueron John Fahey, Leo Kottke y Peter Lang de Takoma Records. La música es indescriptible. No es blues, no es country, es diferente. Inmediatamente me sentí atraído y comencé, como la gente de mi generación, a intentar imitar. Por supuesto, solo hay un plato giratorio en la punta, así que, ya sabes, arriba y abajo con la aguja.

Lo curioso es que no sé nada de sintonización abierta. Intenté recrear lo que hicieron Leo, Peter Lang y Fahey usando la afinación estándar, así que me cansé. Pero quizás leí en alguna parte sobre cambiar la afinación.

¿Encontraste algún otro guitarrista instrumental en ese momento?

Siempre he estado muy interesado en muchos estilos diferentes, y por el estilo de dedos de Chet Atkins, Jerry Reed y Lenny Breau, tengo que darle crédito al (guitarrista francés) Marcel Dadi. Tocaba canciones de Chet Atkins y siempre había una pestaña dentro del vinilo.

También en aquella época Stefan Grossman vivía en Italia y recuerdo haber ido a visitarlo. Vive cerca de Roma y tiene un sello llamado Kicking Mule. Así fue como encontré gente como John Renbourn y Dave Evans, que pensé que eran genios. Hay un álbum que lleva su nombre. Danza del cerdo triste eso es guapo.

En comparación con muchos guitarristas instrumentales, te centras más en la melodía. ¿La melodía guía tu proceso de composición?

En general, sí. Creo que es porque crecí cantando canciones italianas muy melódicas. Cuando comencé a tocar la guitarra, tocaba acordes y acompañaba mi voz porque eso era lo que querían mis amigos, así que se transfirió cuando comencé a escribir música instrumental.

Ya sabes, a medida que me he desarrollado como músico, utilizo todos los elementos. Por ejemplo, hay una pieza llamada «Jump Rope» que se inspira principalmente en enfatizar el optimismo. Con otra pieza, «Beyond the Dunes», me inspiré mucho en el compás de 7/8. Entonces (en ese ejemplo) desarrollé algo basado en el ritmo.

La guitarra acústica es un instrumento rítmico natural que requiere verdadera sensibilidad para desarrollar melodías fuertes.

Lo interesante es que creo que está relacionado con la afinación abierta. Todos sabemos que DADGAD es muy popular, pero yo uso una afinación muy extraña. Hago esto para no caer en un patrón y que esté conectado con la melodía. Por ejemplo, hay una pieza que escribí llamada «Nine White Kites» con una afinación muy extraña que es C# G# EF# BD#, entonces C# menor sus. Y tocar afinando es como caminar en la oscuridad. No sabes escalas, acordes. Simplemente sigo mis dedos y lo que encuentro. Debido a la oscuridad de esta afinación, pude encontrar la melodía.

¿Podría ser al revés, donde tienes una melodía en tu cabeza y encuentras una afinación que te ayuda a tocar?

¡No, pero me acabas de dar una buena idea!

Recientemente, he estado pensando en usar tecnología como (software de notación) Sibelius: ir a la partitura y mover las notas manualmente, luego ir a la guitarra. (El guitarrista y compositor brasileño) Sérgio Assad hizo esto.

¿Hay alguna afinación que hayas descubierto recientemente y que te guste?

Sí, hay uno que es una combinación de dos acordes. Las cuerdas sexta, quinta y cuarta son fa, la y do, por lo que tienes el acorde de fa mayor. Luego, la tercera, segunda y primera son mi, sol, do, que es el acorde de do. Entonces, la combinación de Fa mayor y do mayor. Es la afinación utilizada en la pieza llamada «Dancing with Shadows», que está en el último álbum. Intentaré más en el futuro, si tienes dos acordes diferentes cerca.

A menudo existen diferencias entre los mundos de la guitarra con cuerdas de nailon y de acero en términos de técnica, repertorio y enfoque de enseñanza, pero usted ha cruzado. ¿Qué aprendiste de las cuerdas de nailon o del lado clásico que influye en lo que haces con las cuerdas de acero?

Tuve la suerte de tocar con grandes intérpretes de música clásica como David Tanenbaum y Sérgio Assad; estos son verdaderamente algunos de los mejores intérpretes del mundo. También Marc Teicholz, quien forma parte del cuerpo docente del Conservatorio de Música de San Francisco.

Lo que aprendí de los músicos clásicos es la atención al detalle. Dedicó su vida a la forma en que se entregaban las notas, ya sea que se tocaran al aire o con cuerdas (con trastes). . . Siempre hay una razón detrás de cómo se juega. Esto es algo que no se ve a menudo en el mundo de las guitarras acústicas: un nivel de precisión y dedicación a la pureza de las notas, así como a la ejecución.

La otra cosa es que, en las composiciones contemporáneas de guitarra clásica, creo que hay mucha más profundidad armónica que en el mundo de la guitarra acústica. Armónicamente hay más exploración, lo que me inspira en lugar de limitarme a seis o siete acordes.

Hablemos de tu guitarra. ¿Ha habido algún cambio en lo que usas en el escenario o para grabar?

Básicamente, mi instrumento principal es un modelo exclusivo (Seagull) que desarrollé con Robert Godin hace unos 30 años. Es una guitarra de seis cuerdas con un mástil más ancho. Trabajó durante dos o tres años en una universidad de Montreal para crear un varetaje que hiciera que el instrumento estuviera muy equilibrado entre graves, medios y agudos. Esta es la guitarra que uso en vivo y en el estudio.

¿Ha evolucionado la guitarra a lo largo de los años?

Sí, lejos de ser tonificante y también visible. Ahora bourbon, color oscuro y estética que nos encanta. Pronto Godin celebrará el 30 aniversario de mi guitarra, será un modelo de estudiante y será más barata, así que estoy deseando ver qué se les ocurre.

Además, este es un instrumento electroacústico. El último modelo tiene pastillas LR Baggs Anthem, que me gustan mucho, aunque en determinadas situaciones solo toco acústicas (con micrófono). Quizás sea la influencia de los guitarristas clásicos: no les gusta usar nada.

Es un enfoque diferente si sólo utilizas un buen micrófono de condensador. El sonido acústico está más cerca de la realidad. Si lo conectas, se convierte en algo diferente: hermoso, pero diferente.

Con Music World Retreats, organizas una variedad de campamentos de música, incluidos algunos que se centran en la guitarra con los dedos. Muchos intérpretes de estilo de dedos están orientados al solitario y no necesariamente están acostumbrados a tocar con otros. ¿Parte del campamento es reunir a la gente para experimentar la música de una manera más social?

Me encanta esta pregunta. Ya sabes, uno de los lugares que traemos a Music World Retreats es Sicilia. En agosto, el primero fue un retiro de mandolina con Mike Marshall y Caterina Lichtenberg. Los mandolinistas tocan juntos todo el tiempo. Por la noche solemos ir a este restaurante gourmet y el chef es muy divertido. Todas las noches con el músico de mandolina, al final de la cena, después de mucho vino y esas cosas, todos están felices y todos tocan juntos, ¿verdad? La semana siguiente tenemos un taller de estilo con los dedos con Adam Rafferty y yo. Fuimos al mismo restaurante y el chef se me acercó y me dijo: «Vaya, este es un grupo diverso. Hablan en serio, ¿sabes? ¡No juegan juntos!».

Realmente me di cuenta de que el guitarrista de estilo de dedos suele estar en la sala; es una experiencia solitaria para una sola persona. Pero intenté eliminarlo en el taller. Por ejemplo, Adam Rafferty creó un conjunto de piezas de Bach en cuatro partes, para que pudieran tocar todas juntas. E incluso hice un arreglo de «Mercy, Mercy, Mercy» de Joe Zawinul en cuatro partes. Por eso animamos a los alumnos a sentir lo que significa jugar juntos, porque muchos no lo saben y algunos son tímidos. Pero cuando animamos a la gente, puedes ver lo bien que se divierten.

lo que juega

Peppino D’Agostino toca una guitarra Seagull, conocida como Peppino Signature CW, que tiene un mástil extra ancho (1,9 pulgadas en la cejilla) que es casi tan ancho como una guitarra clásica.

Al conectarse, usó pastillas LR Baggs Anthem a través de un Baggs Venue DI que le permitió ejecutar una salida de amplificador separada en el escenario y tener más control sobre el volumen del escenario. Cuando actúa sólo con un micrófono, utiliza un lápiz condensador AKG 460.

Utiliza cuerdas Dunlop de calibre ligero de bronce 80/20 (.011-.052) que se cambian para cada espectáculo.

A veces usa una púa Dunlop, dependiendo de la música. «Si toco una pieza de orientación clásica, uso el control para el pulgar para tener más control del volumen, la expresión y la dinámica», explicó. «Si estoy tocando bluegrass rápido, pop, country o ragtime y necesito amortiguar el sonido de la cuerda del bajo, entonces uso una púa Dunlop. Además, apoyo mi mano derecha cerca del puente para amortiguar la sexta , quinta y, a veces, tercera cuerdas.cuatro. -JPR

Portada de la revista Guitarra Acústica del número 344

Este artículo apareció originalmente en la edición de marzo/abril de 2024 de Guitarra acustica revista.

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